«Мертвая природа» и жизнь двух художников
Для анализа выбраны две выставки: «Равновесие неравного» в Музее AZ и «Непрерывный художник. Живопись Александра Осмеркина» в фонде In Artibus. Обе выставки посвящены творчеству конкретных художников — Дмитрия Краснопевцева и Александра Осмеркина.
Обе экспозиции исследуют личность автора и процесс формирования его художественного мира, но делают это разными средствами. Их объединяет стремление кураторов показать, как художник сохраняет внутреннюю целостность и творческое равновесие в эпоху перемен.
Проект Музея AZ курирует Наталья Волкова, экспозиционное решение разработала Катя Бочавар
«Равновесие неравного» проходит в Центре современного искусства AZ/ART (Москва, Маросейка). Это новое пространство, созданное на базе Музея Анатолия Зверева. Выставка открыта к 100-летию Дмитрия Краснопевцева и представляет около 50 живописных и графических работ из музейных и частных собраний
Выставка «Равновесие неравного» возвращает внимание зрителя и актуализирует интерес к художнику неофициального искусства второй половины XX века. В контексте нынешнего времени зритель все чаще обращается к вопросу о метафизическом, что прослеживается в философии творчества Дмитрия Краснопевцева.
Выставка «Равновесие неравного» посвящена Дмитрию Краснопевцеву — «художнику тишины и требующего тишину». Художника называют «хранителем времени», он был обладателем уникальной коллекции древних артефактов, которые превращали его мастерскую, как и саму выставку, в арт-объект. В своих работах Краснопевцев рассуждал о жизни, смерти, времени и вечности, почему и называл свои натюрморты «метафизическими».
Концепцией выставки выступило и само это размышление автора. Мертвая природа Краснопевцева выводит зрителя на ощущение быстротечности времени, его неотвратимости и вечного поиска равновесия. «Равновесие неравного» — это попытка погрузиться в среду художника, понаблюдать за течением его жизни и проследить как поиск баланса воплощался в художественной форме. Пространство поделено на два зала. Первый зал — мастерская Краснопевцева, второй — квартира Святослава Рихтера, близкого друга художника.
Катя Бочавар — автор экспозиции говорит: «Краснопевцев — художник, в картинах которого заложена архитектура. Изображенные на них предметы — их очертания и ритмы их расположения — просятся стать частью дизайна экспозиции».
Сама выставка становится мастерской художника, его келью. Сводчатые арки исторического здания музея как бы поддаются идее куратора и становятся началом архитектуры выставки.
Таким образом, попадая на выставку зритель не только «смотрит», но и получает чувственный опыт, который формируется за счет гармонии живописи, звука и архитектуры.
Архитектурное решение выставки было разработано Катей Бочавар. Пространство построено таким образом, чтобы «выставка была немного шаткой, балансирующей на грани музея и мастерской». Пространство становится вторящим композициям картин Краснопевцева. Своды исторического здания представляются частью кувшинов и раковин, а специально спроектированные витрины-подставки олицетворяют баланс и равновесие, а кубы отсылают к архитектонике и композиционному порядку.
Экспозиция органично встроена в архитектуру исторического здания пространства AZ-ART со сводчатыми потолками. Кураторы дополнили пространство «артефактами» из мастерской Краснопевцева, что отвечало задумке — создать ощущение мастерской художника. «Все предметы, все картины очень точно выверены на своих местах, и в то же время, они напоминают как будто случайно проросшие и уже засохшие цветы».
Помимо живописи и графики, в выставку были включены открытки, офорты, маленькие зарисовки и иллюстрации художника, как размышление о мире вещей. Особенное внимание уделено как бы архивной части его творчества, воплощенной в журналах, газетах, личных записях и первых каталогах Краснопевцева. Зритель мог полистать оцифрованные первые каталоги и познакомиться с личным дневником художника, прикоснуться к его мыслям физически. Повествование строится не только через работы художника, но и документальные данные, следы эпохи, что, безусловно, способствует иному восприятию автора.
Во втором зале тема раскрывается через дружбу Дмитрия Краснопевцева и Святослава Рихтера. В зале установлено фортепиано, расставлены мягкие кресла и пара наушников, в которых звучит фортепианная музыка великого композитора. Музыка становится эмоциональным продолжением живописи, превращая пространство в своего рода медитативную комнату созерцания. Таким образом, зал превращается в квартиру Рихтера, в которой так же как и на выставке было место для творчества художника.
Упоминая звуковое сопровождение невозможно не сказать, что экспозицию первого зала так же наполняли разговоры Краснопевцева, которые погружали зрителя в атмосферу личных размышлений автора. Во втором зале экспозицию дополняла не только музыка Рихтера, но и фоновые звуки природы и пространства, что вдохнуло жизнь в экспозицию.
На выставке отсутствовал привычный настенный этикетаж, однако вместо этого каждому посетителю предлагалась брошюрка-каталог, которая стала путеводителем и рассказчиком. В брошюре содержалась нужная для осмысления информация о ключевых деталях из биографии художника, а также не выставленные работы, что позволило немного глубже погрузиться в творчество художника. Такой подход еще раз доказал, что выставка поощряет формирование собственного чувственного опыта, которого не описать в карточке у картины.
Световое решение подчинено общей атмосфере мастерской. Мягкий, рассеянный свет создавал ощущение уюта и тишины, при этом все работы были освещены равномерно.
AZ/ART организует кураторские сборные экскурсии по выставке. Также в зале с фортепиано запланирован цикл концертов, подготовленных композитором Сергеем Терентьевым и продюсером Антоном Каретниковым при участии Фонда Николая Каретникова. Также пройдет презентация каталога живописи Дмитрия Краснопевцева, автором-составителем которого выступил Александр Ушаков.
Выставка получила широкий отклик в профессиональной и общественной среде. Материалы о проекте были опубликованы на платформах Vesnaskoro, Kleo.ru, Lobby Moscow, AD GROUP ART.
Куратором выставки в In Artibus выступила Елена Руденко
«Непрерывный художник. Живопись Александра Осмеркина» — проект Фонда In Artibus (Москва, Пречистенская набережная). IN ARTIBUS FOUNDATION — некоммерческая организация, созданная с целью изучения и популяризации классического и современного искусства. Фонд был создан по инициативе Инны Баженовой — коллекционера, мецената, участника и инициатора культурных проектов. В экспозиции собраны около 30 произведений художника из музеев и частных коллекций, особое внимание уделено позднему периоду его творчества — 1940-1950-м годам.
Выставка «Непрерывный художник. Живопись Александра Осмеркина» — возвращение внимания к отечественной живописи первой половины XX века и фигурам, стоящим между авангардом и классической школой. Кураторы обращают внимание на смену эпох, в которых жил и творил автор, от чего «непрерывность» его творчества становится физически ощутимой.
Выставка «Непрерывный художник» обращается к фигуре Александра Осмеркина — одного из ключевых представителей русского авангарда и педагогический школы советской живописи XX века.
Концепция выставки основана на идее непрерывности творческого пути, творчество художника продолжает жить вне времени и обстоятельств. Название выставки создалось из слов Сергея Герасимова, который охарактеризовал Осмеркина, подчеркнув тем самым неиссякаемый творческий энтузиазм мастера и логику его художественной эволюции. Название также отражает и экспозиционное решение, которое создает то самое ощущение непрерывности.
Пространство выставки организовано в виде линейного повествования, где картины сопровождаются фрагментами писем, заметок и высказываний Осмеркина о живописи и обучении. Эти тексты становятся частью визуального языка экспозиции — они вплетаются в пространство, создавая ощущение живого диалога между художником и зрителем.
Архитектурных решений в привычном смысле здесь не было, пространство зала было организовано лаконично. Картины не монтировались в стену, а были подвешены на тросы. В этом чувствуется академический музейный подход, что, как кажется, было сделано намерено.
Экспозиция имела круговую композицию, зрителю предлагалось двигаться по периметру зала и знакомиться с работами художника.В начале выставки на всю стену располагался вступительный текст, рассказывающий о художнике и его жизненном пути и ключевых этапах творчества. Однако текстовая часть была довольно большой и при этом можно было заметить некоторые неточности в тексте, что слегка нарушало выстроенную гармонию пространства.
Картины Осмеркина чередовались с произведениями других художников, оказавших влияние на его творчество, что позволяло зрителю сравнить живописные подходы и увидеть развитие стиля. Вдоль стен были размещены цитаты и фрагменты переписки Осмеркина с друзьями и коллегами. Такой подход позволял погрузиться в личные переживания и мысли автора. Отдельный раздел выставки был посвящен жизни и педагогической деятельности художника.
Звуковое сопровождение на выставке отсутствовало, что можно считать упущением в контексте общей концепции. Тишина, с одной стороны, поддерживала ощущение академичного музейного пространства, но с другой, не хватало атмосферы, которая могла бы поддержать идею «непрерывного художника». Неакцентное звуковое оформление (например, чтение писем, музыка эпохи или звук мастерской) могло бы сделать восприятие более глубоким.
Световое решение оказалось одним из сильных аспектов выставки. Использовались трековые светильники, обеспечивающие мягкое и точное освещение каждой картины.
Отдельного печатного каталога или брошюры не было. У входа находился небольшой книжный стол, где были представлены издания по теме авангарда и книги о художниках, оказавших влияние на Осмеркина. Эти материалы скорее служили справочным дополнением, чем частью кураторской концепции.
In Artibus дополняет выставку лекциями о художественной педагогике и творчестве Осмеркина, а также экскурсиями с куратором.
Выставка была освещена в профессиональной и общественной среде. Информация была опубликована на платформах Артгид, РБК Стиль, Афиша Москвы, ARTinvetment, moskva.kotoroy.net.
Выставки «Равновесие неравномерного» в Музее AZ и «Непрерывный художник. Живопись Александра Осмеркина» в InArtibus объединяет похожая концепция — раскрыть контекст в котором работал художник. И так мы видим их творчество через личное, процесс и окружающую его среду. Однако подходы к реализации этой идеи оказались принципиально разными, что особенно заметно в экспозиционных решениях.
В работе над проектом в музее AZ ощущается глубокий и осмысленный подход к реализации. Масштаб достойно сопутствовал поводу выставки. Помимо традиционного экспонирования живописи были включены и контекстуальные детали, задерживающие зрителя у работы и способствовавших погружению в среду автора. Отсылающие к архитектуре работ Краснопевцева созданные балансирующие конструкции не просто решали вопрос экспонирования, но и концептуально дополняли пространство мастерской художника, размышляющего о времени и балансе. Отдельно необходимо отметить звуковое сопровождение выставки. Несмотря на различные медиумы, звук становился не последним по значимости, тк исключал из пространства «пустоту», от которой, на мой взгляд, Наталья Волкова и Катя Бочавар намеренно старались исключить. Каждый зал имел свой ритм, и экспозиция не оставляла равнодушным. Ее действительно хотелось пережить, а не просто посмотреть.
В сравнении выставка живописи Осмеркина выглядит более академичной и традиционной. На мой взгляд, выставка больше рассчитана на аудиторию знакомую с творчеством художника и совсем не способствуют заинтересованности «современного зрителя», чье внимание сложно удержать классическим подходом, использующим один медиум для повествования. Погружение в контекст создавалось за счет большого количества текста, который несомненно важен, однако довольно сильно перегружал восприятие. С технической точки зрения проект выполнен согласно концепции, которая намечалась у меня в голове, как у зрителя — создать гармоничное пространство, которое бы способствовало восприятию творчества Осмеркина.
Таким образом, обе выставки отвечают задуманной концепции разным подходом к реализации. Хочется отметить многослойный, нестандартный и по-настоящему живой подход Музея AZ к экспонированию. Этот проект не только раскрывает творчество Дмитрия Краснопевцева, но и погружает зрителя в его внутренний мир, превращая посещение выставки в опыт созерцания и соучастия. А InArtibus напротив, сохраняет академическую ясность и подчеркивает фигуру мастера через традиционные средства показа. Здесь важна не столько эмоциональная вовлеченность, сколько сохранение памяти и образовательный аспект, благодаря чему выставка становится своеобразным напоминанием о значении художественного наследия и педагогической школы Осмеркина.
