Особенности цветовой палитры искусства прерафаэлитов

1. Концепция
2. Яркие эксперименты
3. Секрет техники
4. Символика цвета
5. Верность природе
6. Заключение

Во второй половине 19 века в Англии возникает творческое объединение под названием "Братство прерафаэлитов". Несмотря на относительно недолгое существование, оно оказывает значительное влияние не только на развитие английского искусства, привнеся в него черты национальной и культурной индивидуальности, но и на европейское искусство в целом. Члены этого объединения называли себя прерафаэлитами, поскольку во многом они ориентировались на живопись и искусство, существовавшее до Рафаэля. Молодые художники, разочаровавшиеся в академизме и "штамповании" образцов классики, обращаются ко времени, когда эти стандарты написания картин ещё попросту не существовали.

Однако это не означает, что работы прерафаэлитов уступали по профессиональности или технике исполнения произведениям своих современников-академистов. Члены объединения заимствовали именно отдельные приёмы, с целью привнесения в картины большей живости и натуроподобия, не пренебрегая при этом знаниями в области перспективы и анатомии. Один из ключевых отличительных компонентов творчества прерафаэлитов -- это работа с цветом. Именно яркие и смелые сочетания существенно отличают на визуальном уровне их работы от произведений, создаваемых в Англии в то время. Мне стало интересно изучить, какими именно приёмами, связанными с использованием цвета руководствовались прерафаэлиты. Задачей моего исследования, следовательно является выявить, в чём заключаются ключевые особенности их цветовой палитры.

Исследование делится на по принципу выделения той или иной особенности работы художников с цветовой палитрой. Исследование включает в себя анализ по таким аспектам, как насыщенность и яркость красок, особенность техники, цветовая символика и верность природе. Текстовые источники, подобранные для исследования, включают в себя книги, посвящённые творчеству прерафаэлитам и особенностям их работы с цветовой палитрой. Также я изучила материалы, включающие информацию о цветовой символике Средневековья и так как во многом она находит отражение в работах представителей течения.

В процессе написания работ прерафаэлиты использовали чистые, насыщенные цвета, которые вступали в противовес коричневатым, приглушёнными тонам, преобладавшим в произведениях академистов.

Для сравнения цветовой палитры, рассмотрим картину Милле и работу одного из академистов. Можно заметить, что Милле использует насыщенные цвета, близкие к спектральным, как например, в случае с заполнившей значительную часть картины массой жёлто-зелёного поля. Жёлто-оранжевый и сине-голубой на юбках девушек, будучи комплементарными цветами, вступают в контрастные отношения, за счёт чего они выглядят ещё ярче и заметнее. На картине Рейнольдса, наоборот, все цвета из-за активного смешивания с другими пигментами кажутся приглушёнными. Даже открывающаяся между облаками часть ясного неба имеет пыльно-голубой оттенок.

Картина выполнена в достаточно ограниченной палитре с преобладанием трёх основных цветов, вступающих в хроматический контраст друг с другом. Отливающие золотом волнообразные лучи по одну сторону диагонали и маленькие звёздочки по другую заполняют практически всё пространство фона, придавая тем самым картине некоторую иллюстративность и декоративность. Ярко-красный цвет крыльев ангела становится акцентным благодаря относительно небольшой площади в пространстве холста. Также он уравновешивает композицию: крылья внизу практически повторяют положение крыльев наверху, что вызывает ощущение некоторой статики и опоры.

С яркостью цвета и его количеством и расположением в пространстве картин прерафаэлиты могли работать по-разному. К примеру, на картине "Аврора" цвет более локален и в определённых местах более интенсивен окружающей среды, как, например, в случае жёлто-оранжевого платья девушки и лазурной воды лагуны. В произведении "Дни творения. Пятый день" оттенки не кажутся такими насыщенными. Здесь художник использует больше цветов и они уже не отвечают за какое-то конкретное место. Одеяния ангелов как будто мерцают и переливаются всеми цветами радуги за счёт плавных переходов от синего к бледным красновато-оранжевым оттенкам и от розоватого к хвойно-зелёному. Отсутствие чётких границ между цветами создаёт ощущение воздушности и нематериальности, что перекликается с сюжетом картины.

"Ради избежания загрязнения оттенков, возникающего при использовании палитр, лишь частично очищенных от предыдущей работы, мы использовали белые фарфоровые пластины, которые выдавали бы любые остатки засохшей краски, которые в противном случае неизбежно проникали бы в оттенки, которые должны были быть первозданной чистоты" — Уильям Холман Хант ©.

Однако это не означает, что прерафаэлиты вовсе отказывались от бледных цветов. Конечно, они присутствуют в работах художников, но в меньшем количестве. Иногда же они могут выступать в роли акцентов. В этом плане мне показалась интересной картина Бёрна Джонса "Спящая красавица". На фоне зелени и полной свежести садовой растительности расположены фигуры спящих девушек. Платья тех, кто расположен по краям картины имеют пыльно-розоватый оттенок, где-то переходящий в лиловые и охристые тона. А вторая девушка слева одета в тунику хоть и бледного, но очень сложного по составу серебристо-розоватого цвета, отливающего голубизной. Ненасыщенность в образах спящих подчёркивает их состояние, а композицию уравновешивают бледно-розовые цветы, размещённые по всей поверхности зелёного цвета.

На обеих картинах изображено большое количество людей. Однако картина Ханта кажется не просто живее, а как будто выхваченной прямо и жизни. Конечно, возможно это обусловливается авторским стилем, но стиль так или иначе включает в себя и особенности работы с цветом.

Во-первых, в картине Лейтона, представителя академизма, больше оттенков, уходящих практически в чёрный, тогда как у Ханта даже в самых тёмных местах улавливается цветовой тон. Во-вторых, у мастеров разные подходы к работе с контрастностью. Переход к самым тёмным местам у Ханта по цвету более плавный, в отличие от Лейтона, у которого практически чёрный может соседствовать с откровенно белым. Хант, в отличие от академистов, не делал подмалёвок, поэтому его цвет не так сильно локален, и поэтому создаётся ощущение более естественных и сглаженных переходов.

Сознательно используя чистые, яркие цвета и экспериментируя с контрастами и тоновыми отношениями, прерафаэлиты добивались особой свежести полотен и расставляли нужные для считывания сюжета акценты.

"Художники не только искали новые идеи, но и экспериментировали с техникой живописи. Один из самых технически образованных членов Братства, Холман Хант разработал новую технику письма: отбросив традиционный подмалевок, он писал свои картины прямо по сырому белому грунту – это способствовало яркости нанесенных красок»[2]. Этот способ и стали использовать прерафаэлиты для достижения большей насыщенности оттенков. "По белилам писали полупрозрачными красками, заканчивая определенный кусок композиции в течение сеанса»[2].

Помимо этого, прерафаэлиты использовали эффект лессировки и нанесения красок на влажный грунт. Так, в картине Милле «Офелия» благодаря такой технике автору удаётся передать некоторое внутреннее свечение, как будто исходящее от лица девушки, и богатство переливов её платья, имеющего неоднородный серебристо-охристый цвет со множеством добавленных оттенков.