Мотои Ямомото: соль и память

Введение Инсталляции           Лабиринт           Плавающий сад           Цветущая вишня (01)           Цветущая вишня (02)           Коридор воспоминаний           Бренный мир           Сила природы           Фиолетовый сезон           Дракон из лазурита           Лес           Путь воспоминаний           Цветение времени Возвращение в море Заключение Библиография Источники изображений

В работах Мотои Ямомото соль не столько художественный материал, сколько некий медиум памяти, скорби и времени. Его инсталляции — не про предмет искусства и готовый результат, а про процесс: нанесение узора, его многократное повторение, а затем уничтожение и растворение. Ряд этих действий превращает соль в язык траура, когда каждый кристалл — это буквально метафора следа, остатка.

Толчком к началу карьеры художника для Ямомото послужила смерть его младшей сестры от рака мозга в 1996 году. Позднее, в 2016 году, от рака груди скончалась его жена. Первое событие стало отправной точкой его искусства, до сих пор все его работы — это прежде всего проживание собственной утраты. Тем не менее, как именно утрата перерабатывается в художественную форму, и какая роль в этом отведена зрителю его работ — зависит не только от личной биографии автора, но и от визуального языка, который Ямомото выстраивает — кропотливо, почти ритуально, по законам, подчинённым не визуальной эстетике, а чувствам внутри.

Согласно З. Фрейду, траур — это психическая работа, необходимая для того, чтобы постепенно отказаться от эмоциональной связи с утраченным объектом [5]. Ямамото же, наоборот, отказывает себе в этом, сохраняя память и буквально, физически, преобразовывая этот процесс в художественные работы. Соль в этом контексте работает не как материал, а как знак, через который личная память находит форму. Инсталляции художника — это незавершенные произведения, бесконечно повторяемые действия.

В одной из статей сборника «Травма: пункты» подчеркивается, что травму нельзя полностью представить, ее можно только обойти или «смонтировать» [4]. В этом плане линии Ямомото — это некий монтаж боли, ее артикуляция через ритуал.

Здесь стоит сказать и о фундаментальной роли соли в японском мире. Для художника ее привлекательность как средства, в конце концов, заключается в культурном фоне, который она с собой несет. В Японии соль используется в ритуалах, связанных с жизнью и смертью, приравнивается к очищению. Более того, это предмет, необходимый для поддержания жизни, а также легко ассоциирующийся с морем. Еще одним важным фактором является то, что соль — это пища, к которой прикасался каждый, от детей до пожилых людей. Те, кто видят работы художника, связывают их с личными воспоминаниями и создают свои собственные истории. Как пишет А. Ассман, память работает не только через накопление, но и через забывание, через формы ритуального обращения с прошлым [1]. У Ямомото этот ритуал буквален: он вычерчивает, разрушает, а потом и растворяет след в море, возвращая соль обратно, в ее природный источник.

В процессе работы художнику важна тактильность и медленная скорость. Ямомото рисует без четкого эскиза, полагаясь в первую очередь на ощущения и в моменте испытываемые эмоции. Вторым, менее значимым, но все же влияющим на итоговый результат фактором, являются технические моменты — уровень влажности в помещении и текстура пола. Его работы можно назвать импровизацией, так как они создаются в условиях, заданных трауром.

Уверенность и случайность, порядок и разрушение — эта дуальность создает образ памяти как ненадёжной конструкции, зависимой от шума, ветра, других внешних сил, но главное — эмоций.

Обращаясь к личной боли, Ямомото создаёт пространство коллективной эмпатии — пространство, в котором можно остаться с мёртвыми и не пытаться забыть их.

Выбор темы обоснован моим недавним посещением выставки художника, а также собственным переживанием утраты.

Исследование структурировано согласно работам художника. И хотя под одним названием почти всегда объединено несколько работ, выполненных в разные года и представленных на многих выставках, каждая сохраняет одну и ту же идею. К тому же каждая работа художника уникальна и не может быть повторена в точности — ведь его искусство, это про процесс проживания эмоций в процессе работы над ним.

Почти все снимки взяты с сайта Мотои Ямомото, в котором он объединяет разные работы под одним названием.

Методология моего исследования включает в себя изучение инсталляций художника, сделанных им в процессе проживания утраты и скорби.

Работа указывает на метафору памяти как пути, который не доходит до конца, а только возвращается к началу. Лабиринт — не столько архитектурная форма, сколько когнитивная структура травматического мышления: он закольцован, дезориентирует, заставляет теряться. По Фрейду, траур — это возвращение к образу утраченного, его «психическое перебирание» [5]. Здесь оно визуализировано: ходьба по соляному пути становится аналогом работы скорби, в которой потеря не преодолевается, а становится постоянной внутренней структурой.

Работа представляет собой кружево, паутину или вихрь из воспоминаний, связанных клетками-пузырьками. Автор берет кусочки, спрятанные в глубине памяти, и формирует целую вселенную из картин обычной жизни. Спираль в центре — символ возрождения этой памяти, вечности ее хранения.

Sakurashibe-furu («падающие лепестки вишни» в переводе с японского) — сезонное слово, используемое в хайку* для обозначения поздней весны. Вишневые деревья имеют особое значение для многих японцев. Растение обильно цветет весной, во время поступления в школу, выпускных, новых встреч и расставаний.

Ямомото разбросал около 100 000 лепестков, привлекая внимание не столько к самим цветам и их краткому периоду жизни, сколько к тому, что удерживает их весь год. Размышляя о прошедшем и предстоящем, художник изображает переходный момент — тычинки, цепляющиеся за ветки, опадают, а на их месте появляется свежая зелень: новая, красивая и эфемерная жизнь.