1. Ротоскоп. 2D-анимация и видеосъёмка
2. Коллажная анимация
3. Анимация как инсталляция и перформанс
4. Предметная анимация
5. Штамповая анимация
6. Анимадок. История о себе
7. Становимся персонажами мультфильма. Пиксиляция
8. Портфолио аниматора. Сборка шоурила

Техника ротоскопа появилась в начале XX века. Её придумал аниматор Макс Флейшер. Он снимал на плёнку движения актёра, а затем перерисовывал их на анимационных кадрах. Одним из первых персонажей, созданных таким способом, был клоун Коко. Позже ротоскоп начали активно использовать многие студии. Например, аниматоры студии Walt Disney Animation Studios применяли его для сложных сцен движения.

Сегодня ротоскоп используется в разных видах анимации. Иногда его применяют, чтобы добиться реалистичного движения персонажа. Например, актёра снимают на видео, а затем художник перерисовывает его движения, изменяя стиль и внешний вид героя. В других случаях ротоскоп используют более свободно. Художник может лишь частично опираться на видео и менять движение, добавлять новые детали или стилизовать форму.

Известный пример — фильм «Помутнение» режиссёра Ричарда Линклейтера. Актёры сначала снялись в обычном фильме, а затем поверх видео была создана анимация. В результате получилось изображение, которое выглядит одновременно реалистично и немного сюрреалистично.

Процесс обычно проходит в несколько этапов. Сначала снимается короткое видео. Это может быть движение человека, жест, походка или простой отыгрыш. Затем видео импортируется в анимационную программу. Художник просматривает ролик по кадрам и перерисовывает основные линии движения. Иногда обводят только силуэт, иногда добавляют детали лица, одежды и окружения. Важно помнить, что ротоскоп — это не просто копирование. Аниматор может менять пропорции персонажа, упрощать формы и усиливать движение.

Ротоскоп помогает лучше понять, как движется тело. Когда аниматор перерисовывает движение по кадрам, он начинает замечать мелкие детали. Например, как поворачивается корпус, как двигаются руки при ходьбе, как меняется поза при прыжке, как человек переносит вес с одной ноги на другую Такая практика развивает наблюдательность и помогает лучше чувствовать пластику движения.

Интересно, что ротоскоп можно использовать по-разному. Иногда аниматор старается максимально сохранить реалистичность движения. В других случаях видео служит лишь ориентиром, а художник сильно изменяет рисунок. К примеру, можно превратить человека из видео в фантастическое существо, робота или животное, но при этом сохранить естественную пластику движения.

Ротоскоп позволяет соединять реальный мир и рисунок. Можно оставить видеосъёмку фоном, а персонажа нарисовать поверх неё. Или наоборот, оставить актёра на видео, а вокруг него анимировать фантастические объекты. Такие приёмы часто используются в музыкальных клипах и экспериментальной анимации.

Для начинающих аниматоров ротоскоп подходит в качестве тренировки навыков. Он помогает понять, как устроено движение в реальной жизни и как его можно перевести в язык анимации. Со временем художники начинают всё меньше зависеть от видео и всё больше придумывать движения самостоятельно. Но опыт работы с ротоскопом остаётся полезным и помогает создавать более живую и убедительную анимацию.

Коллажная анимация часто выглядит необычно. Благодаря сочетанию разных изображений возникает ощущение странного, фантастического мира.

Коллаж как художественный приём появился ещё в начале XX века. Его активно использовали художники авангарда, особенно в направлениях дадаизма и сюрреализма. Художники вырезали изображения из газет и журналов, чтобы создавать новые, необычные композиции.

Позже этот приём перешёл и в анимацию. Одним из известных режиссёров, работавших с коллажем, был Терри Гиллиам. В ранних работах для комедийного шоу «Летающий цирк Монти Пайтона» он создавал анимационные вставки из старинных гравюр и фотографий. Персонажи из старых картин вдруг начинали двигаться, разговаривать или морфиться. Так возник узнаваемый стиль, в котором классические изображения неожиданно оживают и начинают вести себя совершенно нелогично.

Работа обычно начинается со сбора материалов. Художник ищет интересные изображения в журналах, книгах, старых фотографиях или распечатках из интернета. Важно обращать внимание на формы, силуэты и детали, из которых можно собрать персонажей или объекты.

После этого изображения вырезаются ножницами. Из разных частей можно собрать нового героя: например, тело из одного изображения, голову из другого, а руки из третьего. Затем элементы раскладываются на фоне и фотографируются. После каждого небольшого изменения положения делается новый кадр. Иногда элементы соединяют с помощью патафикса, офисного пластилина, чтобы их было легче двигать. В других случаях детали просто немного сдвигают между кадрами.

В коллажной анимации движение часто получается немного необычным. Персонажи могут скользить по фону, неожиданно менять форму или превращаться друг в друга. Это связано с тем, что элементы изначально не были созданы для анимации.

Но именно эта особенность делает технику интересной. Коллажная анимация позволяет создавать неожиданные визуальные метафоры и превращения. Например, лицо может раскрыться как дверь, из кармана персонажа может вылететь птица, а обычный предмет может постепенно превратиться в совершенно другой объект.

Коллажная анимация часто используется для создания фантастической, абсурдной и даже поэтической атмосферы. Смешение разных изображений может вызывать ощущение сна, воспоминаний или странной сказки. Иногда художники специально используют старые иллюстрации и винтажные фотографии. Это создаёт ощущение, будто старые изображения вдруг ожили.

Эта техника полезна ещё и тем, что помогает придумывать новые идеи. Когда художник соединяет случайные изображения, могут возникать неожиданные ассоциации. Например, если соединить голову рыбы и тело человека, может появиться персонаж морского путешественника. А если добавить к нему крылья, получится совершенно новая история. Бывает так, что именно случайные сочетания становятся началом будущего сюжета.

Коллажная анимация не требует сложного рисования. При этом техника даёт огромную свободу. Можно экспериментировать с масштабом, сочетать реалистичные фотографии и рисунки, создавать необычные превращения и абсурдные ситуации.

Поэтому коллажная анимация часто используется в авторских короткометражках, музыкальных клипах и экспериментальных проектах. Главное в этой технике — не бояться играть с изображениями, соединять несоединимое и искать неожиданные визуальные решения. Именно из таких экспериментов часто рождаются самые интересные анимационные идеи.

Инсталляцией можно назвать художественную работу, которая занимает пространство. Зритель может ходить вокруг неё, рассматривать с разных сторон и буквально входить в произведение. Один из известных примеров — работы студии teamLab. Их проекты представляют собой огромные пространства, где анимация проецируется на стены и пол. Например, в инсталляции «Borderless» зрители оказываются внутри движущихся цветов, воды и света, которые реагируют на их присутствие.

Другой пример — работы художника Рефика Анадола. Он создаёт инсталляции, где анимация создаётся с помощью искусственного интеллекта и выглядит как живые, текучие формы цвета и света. Его проекции могут покрывать целые здания или залы музеев, превращая пространство в движущуюся абстрактную картину.

В инсталляции пространство становится частью истории и опыта переживания. Зритель не просто смотрит со стороны, а перемещается внутри работы. Например, японский художник Рёдзи Икэда создаёт аудиовизуальные инсталляции, где чёрно-белая анимация, звук и свет формируют мощное пространственное переживание. Изображение может занимать стены, пол и окружать зрителя со всех сторон. Такие работы часто строятся на контрасте масштаба: человек ощущает себя маленьким внутри огромного движущегося изображения.

В инсталляциях обычно нет чёткого начала и конца. Анимация работает как непрерывная абстракция. Например, видеоинсталляции Билла Виолы часто построены на медленных, цикличных изменениях. В его работах движение может быть почти незаметным: фигуры появляются из темноты, исчезают, снова возникают. Зритель может подойти в любой момент и наблюдать за действием столько, сколько захочет. Такая зацикленность делает анимацию более медитативной.

Перформансом называют живое действие, которое происходит здесь и сейчас. В этом случае анимация создаётся или изменяется прямо во время показа. Интересным примером является художник Уильям Кентридж. Он создаёт анимацию из угольных рисунков: рисует изображение, снимает кадр, стирает часть, дорисовывает новое и снова снимает. Иногда он показывает этот процесс как перформанс, где зритель видит, рождение и исчезновение изображения.

Ещё один пример — Мива Матреек. Она выступает на сцене перед экраном, где проецируется анимация. Её силуэт соединяется с изображением, и создаётся ощущение, что она взаимодействует с нарисованным миром. Художница летает, превращается в разные объекты и перемещается между пространствами.

В перформативной анимации важен не только результат, но и сам процесс создания. Зритель наблюдает, как появляется и трансформируется изображение, как художник взаимодействует с материалом. Это делает анимацию более живой и непредсказуемой. Также в инсталляциях и перформансах часто смешиваются разные медиумы: анимация, видео, звук, свет, архитектура, движение людей. Например, в работах teamLab зритель может влиять на анимацию: изображения меняются в зависимости от его движения. А в перформансах Мивы Матреек живое тело становится частью анимации.

Кроме того, анимация может появляться и на архитектуре. Это можно увидеть на фестивале света в Берлине. Это один из самых известных световых фестивалей в Европе. Каждый год здания в городе превращаются в огромные экраны. Например, на фасад Брандербургских ворот проецируют анимацию, создающую иллюзию разрушения здания, его восстановления. Конструкция покрывается узорами и превращается в фантастические пространства. Архитектура предстаёт в новом обличии, раскрываясь в другом медиа.

Анимация как инсталляция и перформанс расширяет рамки медиума. Художники со всего мира показывают, что анимация может быть способом работы с пространством, полем для экспериментов и исследований. Их проекты часто можно увидеть в музеях современного искусства и на фестивалях. Важно не просто создать движение, а придумать, как зритель будет его переживать и взаимодействовать с ним.

Предметная анимация — это техника создания мультфильма с использованием обычных предметов. В отличие от рисованной или пластилиновой анимации, здесь не создаются новые персонажи с нуля, а используются различные вещи: посуда, игрушки, канцелярия, одежда, еда и любые объекты из окружающего мира. Можно использовать даже мусор. Главная идея этой техники заключается в том, чтобы с помощью движения обычных предметов рассказать историю или создать интересную абстрактную анимацию.

В предметной анимации художник берёт объект и начинает покадрово менять его положение. После каждого небольшого движения делается фотография, и из этих кадров собирается анимация. В предметной анимации важно, что зритель узнаёт объект. Мы понимаем, что это обычная вещь, но она ведёт себя необычно. Именно на этом контрасте строится эффект: знакомое становится неожиданным. Например, если ложка вдруг начинает ходить как человек, это выглядит забавно и удивительно.

Даже предмету можно придумать характер. Тяжёлый предмет будет двигаться медленно и с усилием, лёгкий станет быстрым и прыгающим, круглый будет катиться, мягкий будет сжиматься. Через движение можно показать настроение: предмет может бояться, радоваться, злиться, хотя у него нет лица.

Для начала лучше выбирать простые объекты. Например, монета, мяч, яблоко, чашка или карандаш. Важно заранее решить, какая у предмета форма, как он может двигаться, что он умеет делать. Ножницы могут щёлкать, а книга раскрываться, значит, и в анимации можно использовать эти движения.

Интереснее всего становится, когда предметы начинают взаимодействовать. Например, зефирки превращаются в космические корабли и бьются друг с другом, кружка догоняет сахарный кубик, карандаш рисует себе дорогу, носки убегают друг от друга. Такие сцены превращаются в маленькие истории, за которыми интереснее наблюдать.

В предметной анимации важно, где происходит действие. Это может быть стол, пол, комната или улица. Фон должен помогать восприятию героя в кадре, не отвлекать от объекта, подчёркивать движение и создавать атмосферу.

Кроме того, предметы могут трансформироваться один в другой. Особенно хорошо этот приём работает с материалами, которые можно измельчать. Превращение печенья в бублик удобно снимать, так как печенье можно крошить, придавая ему округлую форму. Морфинг возможен и с использованием большого количества предметов. Например, куча карандашей трансформируется в огромную голову.

Особенность предметной анимации в том, что она соединяет реальный мир и анимацию. Мы видим настоящие объекты, но они ведут себя как персонажи, складываются в узоры, движутся и меняют формы. Это создаёт ощущение магии в повседневности. Посмотрите, как аниматор Екатерина Кузнецова оживила кусочки лего в стиле 8-битной ретро-игры.

Предметная анимация часто используется как в авторском, так и в фестивальном кино. Одним из классических примеров являются работы Яна Шванкмайера. В его фильмах обычные предметы начинают вести себя тревожно и странно: еда оживает, столовые приборы двигаются, объекты взаимодействуют как живые существа. Например, в фильме «Варианты диалога» предметы и материалы сталкиваются, разрушаются и превращаются друг в друга.

Предметная анимация учит видеть потенциал в обычных вещах. Она развивает воображение и наблюдательность. Не нужно начинать со сложных материалов, достаточно взять предмет, придумать ему действие и начать двигать его по кадрам. Так, любая повседневная вещь обретает новую жизнь и раскрывается с другой стороны в мультфильме.

Работа обычно начинается не со съёмки, а с создания визуального словаря. Художник придумывает набор отпечатков из точек, линий, овалов, текстур или пятен. После этого возникает вопрос, какие движения можно построить только этими элементами? Например, отпечатки пальцев превращаются в стаю птиц, круги собираются в лицо, отпечаток листа начинает расти как дерево, прямоугольники складываются в город и т. д. Чем меньше исходных элементов, тем интереснее искать решения.

В штамповой анимации особенно хорошо работает принцип накопления. Это способ движения, когда изображение постепенно собирается кадр за кадром. Например, сначала появляется один отпечаток. Потом ещё несколько. Потом они начинают менять направление, перекрываться, исчезать или превращаться во что-то новое. Такой способ анимации часто создаёт ощущение роста, распространения или появления формы из пустоты. Ещё здорово работает маскирование. Допустим, у вас есть прямоугольный штамп. Если положить на холст кусочек бумажки и сверху положить печать, то часть краски останется на бумажке, а часть перенесётся на холст. Так получится новая форма.

Ещё можно использовать трансформацию. Поскольку отпечатки легко повторять, один объект может плавно превращаться в другой. Например, след обуви превращается в дорогу или отпечатки ладоней складываются в птицу. Такой переход называется морфингом, плавным превращением одной формы в другую через промежуточные состояния.

В этой технике особенно заметен ритм. Если ставить отпечатки через одинаковое расстояние, движение будет спокойным и механическим. Если расстояние постепенно менять, появится ускорение или замедление. Поэтому штамповая анимация помогает почувствовать один из главных принципов анимации, тайминг. Тайминг — это распределение движения во времени.

Штамповая анимация тесно связана с понятием фактуры. Фактурой называется видимая поверхность материала. Один и тот же круг будет восприниматься по-разному. Отпечаток губки выглядит мягким, печать из картона — жёсткой. Оттиск ткани создаёт ощущение воздуха. Шероховатая поверхность даёт ощущение шума. Поэтому материал здесь становится частью выразительности.

Иногда штампы используют не для изображения предметов, а для создания абстрактной анимации. Так строятся многие экспериментальные фильмы и визуальная музыка. Формы появляются под ритм, повторяются, сталкиваются и исчезают. Зритель может вообще не искать сюжет, а воспринимать движение как музыку или танец.

Штамповая анимация часто используется в авторской анимации и коротких экспериментальных проектах, потому что позволяет быстро получить живой результат. Это одна из техник, где особенно хорошо видно главное свойство анимации, что движение рождается не из сложности рисунка, а из последовательности изменений.

Анимадок позволяет рассказать личную историю необычным способом. Например, передать внутренние переживания героя через визуальные метафоры, экспериментировать с формой, стилем и ритмом, чтобы эмоции были понятны зрителю В анимадоке нет необходимости в точной хронике событий, важнее чувство и смысл, которые автор хочет передать.

Рассказ автора о собственной жизни или опыте —один из самых популярных вариантов анимадока. В таких короткометражках часто отражаются детские воспоминания, путешествия, важные события, которые изменили жизнь, внутренние мысли и эмоции.

Для анимадока можно использовать любые техники и их комбинации: рисованную анимацию, перекладку и кукольную анимацию, пластилин, коллаж, ротоскоп, комбинацию видео и анимации. Авторы часто рисуют анимацию прямо поверх видео, что усиливает эффект присутствия и ощущение документальности.

Предметная анимация в анимадоке помогает рассказать личную историю более образно и метафорично. Обычные вещи (игрушки, посуда, одежда, предметы из дома) могут становиться носителями памяти, ассоциаций и эмоций. Через них проще говорить о сложных или личных переживаниях. Такая анимация создаёт ощущение близости и подлинности, потому что работает с реальными вещами, связанными с жизнью человека.

Основные этапы работы над анимадоком схожи с этапами производства обычного мультфильма. Сначала нужно выбрать главный эмоциональный посыл истории, затем решить, какая техника и стиль передадут эмоцию лучше всего. Потом нужно написать сценарий, ведь даже анимадок требует чёткой структуры. За сценарием следует этап аниматика, который помогает понять ритм работы. Рисуя аниматик, можно придумать много разных интересных деталей и метафор, визуализирующих внутренние состояния. Например, страх можно показать как множество летящих птиц, превращающихся в огромный рой тёмного пятна, которое растёт и т. д.

Анимадок помогает научиться рассказывать личные истории через визуальный язык, работать с эмоциями и воспоминаниями, экспериментировать с формой. Научившись делать анимадок, автор готов к созданию фестивальной короткометражки, так как там очень востребованы личные камерные истории с необычным изобразительным стилем.

Пиксиляция — это техника анимации, в которой тело человека становится инструментом для покадровой съёмки, почти как бумажная марионетка или пластилиновая фигура. Движение разбивается на отдельные фазы. Актёр делает микродвижение, замирает, затем снова меняет позу. Из-за этого привычная пластика начинает выглядеть странно, механически и даже гипнотически.

Одним из первых режиссёров, работавших с пиксиляцией, был Норман Макларен. В его фильме «Соседи» спор двух соседей становится гротескным и абсурдным за счёт пиксиляции. Позже эту технику начали использовать в клипах, экспериментальном кино и видеоарте. Например, в клипе «Her Morning Elegance» пространство спальни превращается в подвижную сцену сна, где тело человека подчиняется анимационным законам, и девушка летит по полотну кровати, как по небу.

Съёмка пиксиляции устроена так же, как любая стоп-моушен анимация. Камера фиксируется в одном положении. Актёр немного меняет позу, замирает, оператор делает фотографию, затем актёр снова двигается, снова замирает, оператор делает фотографию. Чем меньше изменения между кадрами, тем плавнее будет движение. Рассмотрим несколько приёмов, которые можно эффектно воплотить в этой технике.

Самый простой пример — скольжение. Актёр стоит, затем чуть-чуть смещается вперёд, и каждое его микросмещение фотографируется. В результате он не идёт, а будто едет по полу. Кроме того, в этой технике можно летать. Актёр подпрыгивает, в этот момент его фотографируют. И серия из прыжков в определённую сторону создаёт иллюзию полёта. Можно создать эффект телепортации. Человек стоит в одном месте. Потом резко перемещается в другое. В анимации он будто прыгает по пространству, как в игре. Несколько персонажей в кадре могут двигаться синхронно, как один объект. Актёров можно трансформировать в предметы и обратно. Герой может превратиться в ложку или в цветок, всё ограничивается лишь вашей фантазией.

Скорость кадров в секунду тоже открывает возможности для творчества. Вместо плавного поворота головы можно создать несколько резких фаз. Получается ощущение механического движения.

Маску можно назвать одним из самых сильных инструментов в пиксиляции. Она убирает живую мимику лица, делает персонажа более универсальным и загадочным. Зритель перестаёт считывать привычные эмоции и начинает больше обращать внимание на движение героя в кадре. Маски могут быть разными: бумажными, картонными, тканевыми, пластиковыми или даже нарисованными прямо на лице. Важно, чтобы маска была лёгкой, удобной и хорошо держалась во время съёмки, потому что актёру придётся много раз замирать и двигаться по чуть-чуть.

Форма маски влияет на характер персонажа. Круглая маска выглядит мягко и дружелюбно, угловатая передаст тревожность и резкость, слишком большая усилит комичность. Даже простые вырезы для глаз могут задать настроение. Для вдохновения можно обратиться к африканским ритуальным маскам, японскому театру Кабуки, венецианским карнавальным маскам, шаманским костюмам и обрядам разных культур.

В пиксиляции часто используют преувеличенные или необычные предметы. Например, огромные очки, слишком длинные рукава, странные шляпы сделают образ более выразительным и запоминающимся. Маски и реквизит помогают создать единый визуальный стиль. Если все элементы подобраны в одной логике, сцена выглядит цельной и продуманной.

В пиксиляции сочетаются живое актёрское движение и анимационное мышление. Маски и реквизит помогают стереть границу между человеком и героем мультфильма. В результате появляется особый мир на стыке игрового кино и анимации.

Портфолио аниматора показывает, как человек мыслит, чувствует движение и строит изображение. Сделанные на курсе упражнения могут многое рассказать об авторе, как он работает с ритмом, композицией, персонажем, материалом и атмосферой. Количество этюдов не столько важно, сколько наличие собственного взгляда и внимания к деталям. Основная задача портфолио — продажа своих навыков студии или режиссёру. Поэтому и портфолио нужно составлять с умом.

Одной из главных форм презентации работ в анимации является шоурил. Шоурил — это короткий видеомонтаж из лучших фрагментов проектов. Обычно он длится от 30 секунд до 2 минут. Его задача — быстро показать сильные стороны автора. Шоурилы используют аниматоры, режиссёры, моушн-дизайнеры, студии и фестивали. Часто именно шоурил становится первым, что смотрит работодатель или куратор.

Главным принципом шоурила является качественный отбор. Не нужно помещать туда всё подряд. Короткий и красивый ролик будет смотреться лучше длинной скучной подборки всех подряд сцен. Обычно самые сильные работы ставят в начало, потому что первые секунды определяют впечатление от всего видео. Один хороший фрагмент работает сильнее десяти средних.

Шоурил строится как маленький фильм. В нём важны ритм, монтаж, музыка, переходы между сценами. Даже если работы сделаны в разных техниках, монтаж может объединить их в один цельный клип.

Музыка сильно влияет на восприятие шоурила. Она помогает удерживать ритм и связывать сцены между собой. Но музыка не должна «спасать» слабые работы. Если фрагмент неинтересен без музыки, скорее всего, его не стоит включать. Используйте динамичные, яркие композиции. Они лучше приковывают внимание зрителя. Грустные, лиричные мелодии с меньшей вероятностью продадут вашу работу.

Важно учитывать, для чего собирается шоурил. Портфолио режиссёра будет отличаться от портфолио аниматора персонажей или моушн-дизайнера. Кто-то делает акцент на движении, кто-то — на атмосфере, монтаже, моушн-графике. Шоурил всегда немного похож на автопортрет. Через него зритель понимает, что именно интересует автора.

В анимационном портфолио ценится и наличие живого поиска. Экспериментальные тесты, странные этюды, ошибки и неожиданные решения иногда оказываются интереснее слишком аккуратной, но безыдейной работы. Особенно это важно в авторской и фестивальной анимации.

Сборка шоурила учит смотреть на свои работы со стороны. Во время монтажа становится видно, какие сцены действительно работают, где теряется внимание, какие темы или образы повторяются. Советы по монтажу: не используйте два похожих фрагмента рядом, лучше чередуйте кусочки по контрасту. Например, яркая красочная анимация идёт за ч\б карандашной и т. д. Так зритель точно не заскучает во время просмотра. Следите, чтобы два фрагмента анимации красиво смотрелись один за другим и не повторялись. Движение объекта в кадре должно быть в одну сторону. Например, мячик летит вправо, затем герой тоже бежит вправо. Если он побежит влево, это создаст ощущение дезориентации в кадре. Движение анимации должно быть согласовано с музыкой. Мелодия как бы должна дополнять и раскрывать видеоряд.